Robert Delaunay entdecken: Leben, Stil und künstlerisches Erbe

Um die Jahrhundertwende, als Paris zum Laboratorium sämtlicher Avantgarden wird, macht ein Maler die Farbe selbst zum Thema seiner Malerei. Robert Delaunay gehört zu den Persönlichkeiten, die die moderne Kunst zur Abstraktion vorangetrieben haben, indem er unermüdlich das Licht, die Bewegung und die Beziehungen zwischen den Farbtönen erkundete. Verbunden mit dem Orphismus, einer Strömung, die er gemeinsam mit seiner Gefährtin Sonia Delaunay mitprägte, hinterlässt er ein Werk, dessen farbige Scheiben und Rhythmen unseren Blick auf die Moderne bis heute nähren. Dieser Werdegang lädt dazu ein, seinen Weg, seine Forschungen und einige seiner bedeutendsten Schöpfungen nachzuvollziehen.

Biografische Eckdaten eines Pariser Malers

Robert Delaunay wird am 12. April 1885 in Paris geboren, in einem Umfeld, das ihn früh mit Kultur und Kunst in Berührung bringt. Seine Ausbildung folgt nicht dem klassischen akademischen Weg: Als Jugendlicher arbeitet er in einer Werkstatt für Theaterdekorationen, wo er sich mit der großflächig aufgetragenen Farbe und mit Lichteffekten vertraut macht. Diese konkrete Erfahrung, fernab des traditionellen Kunstunterrichts, prägt seine Sensibilität nachhaltig hin zur chromatischen Materie und zum visuellen Aufbau.

In den ersten Jahren des Jahrhunderts nimmt er die Lehren des Postimpressionismus auf, insbesondere jene des Neoimpressionismus und seiner Zerlegung des farbigen Pinselstrichs. Die Begegnung mit der Künstlerin Sonia Terk um 1907 markiert einen entscheidenden Wendepunkt. Das Paar heiratet 1910 und bildet eines der fruchtbarsten Gespanne der Kunst des 20. Jahrhunderts: Ihre Forschungen antworten einander und befruchten sich gegenseitig, sowohl in der Malerei als auch im Bereich der angewandten Künste. Gemeinsam entwickeln sie eine Ästhetik, die auf reiner Farbe und Kontrast beruht und zur Signatur ihres gemeinsamen Schaffens werden wird.

Der Orphismus und die Farbe als Thema

Delaunay bildet sich zunächst im Kontakt mit dem Kubismus, dessen Streben nach einer Neukonstruktion des Bildraums er übernimmt. Doch dort, wo der Kubismus von Picasso und Braque eine nüchterne Farbpalette und eine Analyse der Volumina bevorzugt, schlägt Delaunay rasch eine andere Richtung ein: Er stellt die Farbe ins Zentrum seiner Forschung und macht sie zum eigentlichen Motor der Komposition. Diese Wendung mündet in eine eigene Sprache, die der Dichter Guillaume Apollinaire um 1912 „Orphismus“ tauft, in Anspielung auf Orpheus und die Vorstellung einer Malerei, die ebenso unmittelbar und sinnlich ist wie die Musik.

Das Prinzip, das diese Malerei bestimmt, ist das der Simultaneität. Delaunay stützt sich auf die Theorien des simultanen Farbkontrasts, die insbesondere aus den Arbeiten des Chemikers Michel-Eugène Chevreul stammen, um seine Leinwände um die Gegenüberstellung von Tönen zu organisieren, die sich wechselseitig steigern. Die Farben dienen nicht mehr dazu, einen Gegenstand zu beschreiben oder die Natur nachzuahmen: Sie erzeugen allein durch ihre Beziehungen die Tiefe, den Rhythmus und die Bewegung. Die kreisrunde Form, die Scheibe und der Bogen werden zu den bevorzugten Trägern dieser Dynamik, bis hin zur Eröffnung eines Wegs zur Abstraktion, in der das Sujet mit der chromatischen Energie selbst verschmilzt.

Dieser Beitrag reicht über den französischen Rahmen hinaus. Delaunays Farbforschungen finden bei den Künstlern Mitteleuropas Widerhall, insbesondere im Umkreis des Blauen Reiters in München, wo seine Malerei als ein Meilenstein hin zu einem von der Nachahmung befreiten Ausdruck betrachtet wird. Der Orphismus erscheint so als eines der Bindeglieder, die den Kubismus mit den radikaleren Formen der gegenstandslosen Kunst verbinden.

Bedeutende Werke, von der Stadt zur modernen Geschwindigkeit

Delaunays Bilderwelt ist die der modernen Stadt, ihrer Lichter und ihrer Maschinen. Der Eiffelturm, ein Motiv, das er zahlreiche Male wieder aufgreift, verkörpert diese Faszination für das technische Bauwerk und für den Schwindel der Metropole. Er zergliedert ihn, vervielfacht ihn und lässt ihn durch die Farbe vibrieren, wobei er eine vertraute Silhouette in ein neuartiges visuelles Erlebnis verwandelt. Die Serie der Fenster setzt diese Erkundung fort: Die städtische Szene löst sich darin in durchscheinende Farbflächen auf, in denen das gefilterte Licht zum eigentlichen Gegenstand des Bildes wird.

Zu seinen ehrgeizigsten Kompositionen zählt Die Mannschaft von Cardiff, in der Delaunay die Energie des Sports, der Werbung und des modernen Spektakels in ein und demselben Schwung erfasst. Das der Aktualität entlehnte Sujet erlaubt es ihm, die bewegten Figuren, die Reklameschilder und die Sinnbilder des zeitgenössischen Lebens in einer farbigen Orchestrierung zu verbinden, die die Geschwindigkeit und die Simultaneität der Empfindungen feiert. Andere Leinwände, wie Der Zigeuner, zeugen von der Vielfalt seiner Motive und von seiner Art, die menschliche Figur in seine Forschungen über die Farbe und den Aufbau der Fläche einzubeziehen. In diesen Werken zeichnet sich ein Maler ab, der seiner Zeit aufmerksam zugewandt ist und entschlossen, deren Tempo mit rein malerischen Mitteln zu übersetzen.

Nachwirkung und zu entdeckende Reproduktionen

Delaunays Laufbahn endet nicht mit der Avantgarde von vor 1914. Die Jahre des Ersten Weltkriegs, die er größtenteils auf der Iberischen Halbinsel verbringt, verlängern seine Experimente mit Licht und Farbe im Kontakt mit einer neuen Umgebung. Zurück in Paris fügt er sich in die Debatten um die Abstraktion der Zwischenkriegszeit ein und knüpft wieder an das Vokabular der kreisrunden Formen und der Scheiben an, das er in rhythmisierten Kompositionen und großen dekorativen Ensembles durchdekliniert. Er stirbt am 25. Oktober 1941 in Montpellier und hinterlässt ein Werk, das die Geschichte der Farbe in der Malerei nachhaltig geprägt hat.

Um diese Entdeckung zu vertiefen, ermöglichen zwei Reproduktionen die Annäherung an einander ergänzende Facetten seiner Kunst. Das Gemälde Frau mit Sonnenschirm - Robert Delaunay | Reproduktion verweist auf seine figurative Malerei der Jugendjahre, in der sich das menschliche Motiv bereits einer Reflexion über den Pinselstrich und die Farbe anbietet. Das Gemälde Scheiben-Relief - Robert Delaunay | Reproduktion veranschaulicht seinerseits die abstrakte und kreisförmige Seite seiner Reifezeit, jene der um die Scheibe herum aufgebauten chromatischen Rhythmen. Zusammengenommen vermitteln diese beiden Bilder eine Vorstellung von der Spannweite eines Malers, der von der Darstellung der Stadt zur reinen Verherrlichung der Farbe übergegangen ist.

Delaunay heute zu betrachten heißt zu ermessen, wie sehr die Moderne Künstler brauchte, die ihren eigenen Mitteln zu vertrauen vermochten: der Farbe, der Form, dem Rhythmus. Ohne auf das Anekdotische oder auf Effekthascherei zurückzugreifen, hat er einen Raum eröffnet, in dem die Malerei sich selbst genügt. Es ist diese Klarheit der Absicht, ebenso wie der Glanz seiner Kompositionen, die den Platz erklärt, den er unter den großen Namen der modernen Kunst einnimmt, und das anhaltende Interesse, das seine Werke wecken.

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